Reverberações 2008 – 3 edição

12 a 16 de novembro

Processos Colaborativos e Dinâmicas Coletivas

ENCONTRO PARTICIPATIVO que articula e integra pessoas que trabalham com processos colaborativos, espaços auto-geridos, iniciativas independentes, desenho cultural, ações e outras manifestações das práticas e pensamentos culturais da atualidade. O interesse é criar um bem comum -material e imaterial- decorrente de princípios como colaboração, cooperação, autogestão, autonomia e inter-independência. 

A idéia de criar um espaço /tempo de convívio é possibilitar o compartilhar das experiências e, através de dinâmicas coletivas apontarmos os desafios que envolvem os processos coletivos de trabalho e criação. Esses temas serão levantados e aprofundados pelos participantes presentes visando um encaminhamento de estratégias para o aprimoramento das práticas coletivas.

+ OFICINA DE DESENHO CULTURAL –

‘Como ampliar o burburinho cotidiano – Gestão Cultural: Prática a partir das margens’ e CONFERÊNCIA INTERMEDIAE, por Suset Sánchez – Curadora INTERMEDIAE/Madrid – ES

+ BANCADA PARA O COMPARTILHAMENTO DE CONTEÚDOS DIGITAIS E IMPRESSOS

+ FEIRA DE TROCAS

Dias 12 e 13: Centro Cultural da Espanha em São Paulo / AECID – Rua Martinico Prado 474 Higienópolis. São Paulo.

Dias 14, 15, 16:  UMA PAZ – Universidade Aberto do Meio Ambiente e Cultura de Paz – Parque do Ibirapuera Portão 7 A. São Paulo.

INFORMAÇÕES

www.reverberacoes.com.br 

http://reverberar.wordpress.com

INSCRIÇÃO até o dia 5 de novembro escreva para

reverberar.encontros@gmail.com

COMPARTILHAR IDÉIAS integre o e-grupo

corocoletivo@yahoogrupos.com.br

Como ampliar o burburinho cotidiano – Gestão Cultural: Prática a partir das margens.

por Suset Sánchez – Curadora INTERMEDIAE/Madrid – ES

OFICINA de DESENHO CULTURAL organizada em parceria com o Centro Cultural da Espanha/AECID

A oficina abordará algumas problemáticas inerentes às praticas da

gestão cultural realizadas por instituições públicas.

Mediante um caso de trabalho hipotético exposto aos participantes, criaremos uma dinâmica de trabalho onde alguns pressupostos teóricos sobre a organização e o funcionamento da gestão cultural possam ser questionados e exercitados, de modo a explorar as alternativas de gestão sob a perspectiva da instituição pública. 

Resumo de Conteúdos:

- Refletir sobre as diferentes práticas de gestão cultural em relação à natureza pública, privada ou independente dos organismos ou coletivos que a realizam.

- O alcance destes organismos e/ou coletivos e a efetividade de seu diálogo.

- Análise de um modelo de gestão cultural como plataforma de trabalho horizontal, transdisciplinar, dialético e realizado em rede com outros agentes culturais.

- A gestão cultural entendida como prática territorial para a convivência entre o local e o global.

- Os desafios presentes e futuros da função social da gestão cultural.

- Como articular um modelo de gestão cultural localizado e sustentável em seus múltiplos aspectos

Datas: 12 e 13 (quarta e quinta) de Novembro de 2008.

Horário: 10h – 13h

Duração: 6 horas (duas sessões de 3 horas cada uma)

 com certificado para participação integral.

Vagas: 20  

Gratuito

Local: Centro Cultural da Espanha em São Paulo/AECID

Rua Martinico Prado, 474. Higienópolis.

Tel: (11) 3822 2627

Informações e Inscrições:

Enviar ficha de inscrição e currículo para: reverberar.encontros@gmail.com

Segunda Edição de proposta que articula e integra diferentes projetos e/ou iniciativas culturais autônomas, que por sua vez articula participações nacionais e internacionais, em um encontro aberto e participativo.

São artistas e coletivos de arte, pensadores, críticos de arte, curadores, coordenadores de ações continuadas, espaços de arte auto-geridos (virtuais inclusive), associações e cooperativas de artistas no Brasil e no exterior, preocupados e atuantes pelas novas formas de processos coletivo, que propõem jogar foco sobre fundamentais práticas e pensamentos da cultura atual.

O Reverberações2006 integra o Seminário RITMOS DA URGÊNCIA, a Mostra de Vídeos, Dinâmicas Coletivas, o FórumCORO, a Mostra do Banco de DadosCORO e o Fique Atento! com Art Live, performance, dança-teatro e documentários.

Este ano Lançaremos e distribuiremos gratuitamente a publicação do Reverberações, que também está sendo distribuída gratuitamente pela Internet em PDF, neste site, em Publicação.

A proposta curatorial é jogar luz sobre os processos coletivos, espaços autônomos, virtuais inclusive, e iniciativas ou ações continuadas, que na década de 90 e com maior vigor a partir de 2000, vêm se fortalecendo no Brasil, inseridos conscientemente em um contexto global. Partindo dessa recente produção artística para compreender de maneira sistêmica as relações socioculturais e econômicas, apontando alternativas de dinamização e novas lógicas para a cultura.

RITMOS DA URGÊNCIA propõe aos interessados e profissionais da cultura um modo para envolverem-se de maneira ativa e colaborativa no debate das questões culturais. É a possibilidade de articular e mobilizar participações em torno de idéias e conceitos, os quais podem embasar demandas práticas e ao mesmo tempo, oferece subsídios para discutir a viabilidade das demandas com o próprio campo da produção artística, fortalecendo e desenvolvendo as relações com a sociedade civil para a evolução cultural.

As TEMÁTICAS DAS RODAS para os debates públicos procuram focalizar questões e experiências locais, compreendendo-as como realidade nacional, dialogando-as e inserindo-as em contextos globais:

1.As Rodas de abertura, Práticas Artísticas Atuais, Relações Institucionais, Novos Meios de Circulação e Difusão trarão depoimentos e sistematizações, apontando as práticas, necessidades e alternativas locais e nacionais, que possibilitarão um mapeamento situacional dos profissionais e de seus contextos.

2.Rodas como Dinâmicas Culturais, Arte, Estética e Participação Política, Novas Organizações e Economia discorrerão sobre o assunto compreendendo o Brasil em diálogo com a América Latina e Europa.

Mas por que aprofundarmos questões sobre História e Cultura, Circulação e Difusão, Relações Institucionais, Práticas Artísticas, Estética, Participação Política, Novas Organizações e Economia?

Porque compreendermo-nos como construtores da história pela cultura e arte, faz-se fundamental, na existência de uma produção de pensamento, práticas artísticas conscientes e indispensáveis, a participação efetiva que contribua para a evolução social.

Flavia Vivacqua

A curadoria de RITMOS DA URGÊNCIA é uma adaptação livre de Flavia Vivacqua do processo coletivo e colaborativo vivenciado para o projeto de seminário “Sentidos da Cultura”, desenvolvido por Chico Linares, Daniel Manzione, Flavia Vivacqua, José Roberto Shwafat e Sérgio Franco; e por sua vez se deu pela sistematização e criação a partir da experiência também coletiva do processo público de implementação das Câmaras Setoriais de Artes Visuais, realizado pelo que se caracterizou de Forum São Paulo de Artes Visuais em 2004/2005.

O relato a seguir compõe um quadro experimental vivenciado por um grupo de pessoas na cidade de São Paulo, que criou e desenvolveu um programa voltado para o exercício da reflexão, articulação e práxis em torno de um não-conceito, denominado ArteCidadania.

Antes de apresentar o processo e o sentido desse movimento, torna-se necessário apresentar o contexto em que a expressão e a conseqüente linha programática foram criadas. No final da década de 90 o Brasil foi tomado por uma série de ações financiadas por empresas privadas, que buscavam uma intersecção favorável entre o investimento em cultura, geralmente voltado para dar visibilidade às marcas, e a responsabilidade social empresarial, um movimento crescente à época.

Baseados nos modelos de investimento estadunidense, o investimento privado tornou-se cada vez mais comum entre os grandes grupos empresariais. A partir daí, surgiu a oportunidade de desenvolver algo ímpar. Procurada por uma empresa de tecnologia, Gtech Brasil, para desenvolver uma ação utilizando-se das leis de incentivo à cultura, a Brant Associados propôs algo inovador e arrojado para a época.

A proposta foi criar um laboratório para a prática artística, junto a comunidades de baixa-renda, na periferia de São Paulo. Assim foi criado o Projeto Asa, para promover o exercício e o aprendizado das artes visuais através da vivência artístico-cultural, associada ao desenvolvimento do pensamento crítico e da expressão da autoralidade. Acreditava-se trabalhar as consciências intelectual, cultural, afetiva e moral de crianças e jovens a partir da descoberta das potencialidades, ativando o fortalecimento da auto-estima e ampliando as perspectivas da relação indivíduo-sociedade.

As quatro unidades do Projeto Asa atendem crianças e jovens de 7 a 17 anos, matriculados no ensino público. Contam com equipes compostas por psicopedagogos, artistas e facilitadores que acompanham de perto cada indivíduo, seguindo um itinerário que estuda e pratica as artes visuais em dois ateliês: matérico e digital. O sentido das oficinas é a busca da expressão através da arte visual, seja no computador ou no papel. A cada ano é montada uma exposição, com obras concebidas pelos participantes do Asa.

A partir da vivência das oficinas, acompanhadas por uma equipe multidisciplinar composta de artistas, designers, arquitetos, pedagogos, sociólogos, antropólogos e coordenados pela Brant Associados, o que significa lançar um olhar permanente a respeito das políticas culturais, chegou-se à conclusão de que os paradigmas cristalizados em nossa sociedade para definir o ensino da arte eram insuficientes para definir a ação ali praticada. Nasceu assim a ArteCidadania, como uma auto-provocação, algo a ser discutido com toda a sociedade, com o objetivo de revisar paradigmas e ações comumente difundidas por este “mercado”.

Para dar cabo desse desafio, criou-se um Fórum Nacional de ArteCidadania, lançado durante o Fórum Social Mundial de Porto Alegre, em 2003, uma revista eletrônica com o endereço www.artecidadania.org.br, no ar de outubro de 2002 a outubro de 2006, que acumulou cerca de 15 mil assinantes, com fluxo mensal de 700 mil hits. Intimamente ligados à práxis das oficinas esses dois movimento abriram um debate com toda a sociedade sobre os processos internos do Asa, que já estavam sendo compartilhados com instituições como Instituto Ayrton Senna e Instituto Vygotskij, coordenado por Maria Benites.

As discussões iniciadas a partir dessa tríade: Asa, Fórum e revista, permitiu-nos ampliar reflexões e buscar uma nova plataforma para discussão pública da arte no Brasil. A relação entre arte e cidadania foi contestada como uma espécie de vacina contra os usos e abusos da arte a favor das estratégias corporativas vigentes:

É possível relacionar arte com cidadania? Todo artista é, obrigatoriamente, cidadão? E todo cidadão pode ser artista? Cidadania se conquista com arte? ArteCidadania, por quê?

Discutir arte ou cidadania como conceitos puros, hoje, tornou-se um exercício praticamente inútil. O abismo existente entre a pureza desses conceitos e a absurda configuração mundial do conhecimento e da vida humana nos faz questionar até que ponto, nossas mais preciosas heranças gregas nos ajudam a entender a realidade atual.

Por mais que os teóricos e acadêmicos se esforcem para separar o joio do trigo, a palavra arte (com “a” minúsculos ou maiúsculo), hoje é empregada pelos mais diversos setores sociais, responde aos mais diversos interesses e conseqüentemente adquire sentidos distintos, que muitas vezes se chocam e se anulam.

No Brasil, os direitos civis são garantidos constitucionalmente, tornando-se uma das maiores piadas de mau gosto já escritas, uma vez que a maior parte da população jamais poderá exercê-los na virtude. O mesmo se repete na maior parte dos regimes “democráticos” do mundo – sem mencionar nas outras formas de Estado, em que a pobreza impera.

ArteCidadania não é e nem pretende ser um conceito. Não se sustenta em afirmações ou negações. A natureza interrogativa e questionadora de sua essência é natural a qualquer pensamento ético que surge em meio à miséria, dor e injustiça. Mais que relativizar e contextualizar conceitos, a plataforma ArteCidadania ampara qualquer sujeito, artista ou não, cidadão ou não, que queira discutir a relação entre indivíduo, arte e sociedade.

Existe e qual é a relação entre arte e cidadania? Como se dá apropriação da arte e da cultura pelos indivíduos? Socialmente, há justiça nessa apropriação? Deveria haver? Por quê? – Esses são alguns questionamentos possíveis.

Inclusão Social

Outro elemento de fácil absorção pela prática neoliberal é o uso de expressões, como “inclusão social”, cidadania, responsabilidade social, entre outras. ArteCidadania surge também como uma plataforma para discutir esses conceitos:

Se algum dia já existiu uma origem sociológica para o termo “inclusão social”, hoje a avassaladora quantidade de propostas que utilizam a inclusão como paradigma faz com que seu significado se perca, o que acontece também com seu mais recente derivativo “inclusão cultural”.

Já houve um tempo em que inclusão social foi um termo exclusivamente vinculado às políticas públicas voltadas ao atendimento às necessidades especiais de pessoas portadoras de deficiência na escola, nos espaços públicos e no trabalho. Nesse caso, trata-se de um esforço para incluir uma minoria excluída de espaços e atendimentos públicos que deveriam servir a todos, mas foram projetados para uma maioria comum.

O curioso é que no Brasil, com exceção da situação mencionada, o inverso acontece: programas que propõem, através da arte e atividades culturais oferecer acesso a uma maioria privada de um privilégio reservado a minorias – arte, educação, tecnologia. Hoje, a variedade de complementos que dão nome aos projetos de “inclusão” fazem com que essa palavra adquira um sabor artificial. A adoção, cada vez mais presente, da expressão “inclusão cultural”, é um exemplo disso. Parte da premissa que um sujeito, por não compartilhar uma certa cultura (oficial, institucionalizada), é um excluído. Como se a sua cultura não existisse, não tivesse valor. Cada vez mais projetos tentam incluir, não como um movimento de troca, de sincretismo, mas de imposição cultural. Pode a arte ser instrumento de inclusão social?

Com a interrupção do financiamento empresarial, desfez-se a plataforma, mas a oficina continua a funcionar, cada um a sua maneira, sem dogmas, regras ou pseu-tecnologias culturais nas comunidades: o Asa Estação, nos Campos Elíseos, São Paulo; Asa Promove, no bairro do Jaçanã, também em São Paulo; Asa Seiva, em Barueri, SP; Asa Promove, em Diadema, SP e Asa na Casa, em Campo Grande, MS. O programa segue em frente coordenado pela pedagoga Eunice Medeiros, do Instituto Pensarte.

Leonardo Brant, janeiro de 2007.

Autor dos livros Mercado Cultural, Políticas Culturais, vol.1 (org.) e Diversidade Cultural (org.), Leonardo é presidente da Brant Associados, ateliê de políticas culturais, e editor da revista Cultura e Mercado.

A Semana de Artes Visuais do Recife (SPA) tem um caráter híbrido e mutante. Híbrido por considerar as artes visuais em toda sua amplitude de meios e suportes e como uma “linguagem” que cada vez mais faz intercessão com a música, o vídeo, a dança, etc., bem como com o cotidiano dos moradores da cidade. Mutante por não preconceber um desenho único, permitindo-se, a cada edição, novidades em seu formato, absorvendo as próprias necessidades do meio artístico. Há cinco anos o SPA foi concebido por um grupo de artistas e logo alojado numa prefeitura que, apesar da rigidez inerente a qualquer máquina pública, é sensível ao diálogo com a comunidade artística e ao mesmo tempo preocupada com a descentralização das ações culturais. Sob essas concepções, surge um evento que se espalha pela cidade e vai ao encontro do público.

Realizado ainda com um orçamento enxuto para um evento de tal porte, o SPA tem uma  produção complexa – dadas suas especificidades – e exige uma dedicação extra de toda a equipe, do projeto à realização. Com um enfoque que vem privilegiando a formação de artistas e de público (com palestras, debates, grupos de crítica, lançamento de publicações e inúmeras oficinas) e abrindo espaço para novas criações e circulação de produções (através do Mapa das Artes, das Semanadas SPA – incentivo financeiro por meio de edital público – e democratização de espaços expositivos), o SPA vem contribuindo bastante – ao lado de outras iniciativas – para o enriquecimento das artes visuais produzidas em Pernambuco na última década. A vinda de dezenas de críticos, curadores, artistas e arte-educadores de outros estados e países promove uma abertura que se reflete em uma troca de informações substancial que vem adensando não apenas o fazer artístico, como também o discurso crítico e a pesquisa em arte. É notável que Recife conte hoje com um número grande de jovens artistas pesquisando novos meios e linguagens, assim como com aspirantes a críticos e curadores.

Distinguindo-se do formato predominante de Salões e grande premiações pontuais, o SPA estimula que os artistas não apenas busquem os tradicionais espaços expositivos (museus e galerias) mas também promovam o encontro das obras com os transeuntes, seja nas ruas do subúrbio ao centro, seja em espaços alternativos como prédios em desuso. Apesar de continuar sendo uma ação eventual que acontece uma vez por ano, o SPA concentra um grande número de atividades e acaba contribuindo fortemente para o amadurecimento da arte atual bem como para a visibilidade de uma produção que se amplia a cada ano. Ou seja, as ações propostas para serem realizadas durante a semana são planejadas pelos artistas e demais profissionais das artes com alguma  antecedência – por ser um uma iniciativa já esperada no calendário cultural da cidade – e acabam por perdurar ou ganhar desdobramentos em outros lugares. ¹

Contudo, admitindo-se um perfil mais experimental, naturalmente também se aposta alto na possibilidade de erros. Investir sobretudo numa produção de artistas em formação que experimentam novas maneiras de propor seus trabalhos é também testar os limites da arte, chegar às polaridades, do bom e do ruim. Conceder os mesmos espaços para artistas selecionados por uma comissão julgadora especializada (Semanadas SPA) e para artistas não selecionados ou que não submeteram projetos, é assumir, junto com esses produtores, os riscos em relação ao que o público verá. De qualquer maneira, esse ecletismo vem provocando um embate saudável de pontos de vista tendendo a uma quebra de barreiras entre artistas mais formais e outros mais radicais em suas práticas e discursos, entre o público acostumado com vernissages e aquele que frui sobre o inusitado com que se depara nas ruas e lhe faz parar.

Encontrar um ponto de equilíbrio entre o suposto distanciamento do público em relação a espaços expositivos institucionalizados e as intervenções urbanas; entre a dita “arte contemporânea” e a cara “tradição pictórica pernambucana” (ambas cercadas por seus estereótipos); entre o experimentalismo da jovem produção a interlocução com a experiência dos veteranos;  não é tarefa fácil.

Contudo, o desafio de encontrar respostas – ainda que momentâneas – para os questionamentos que sempre são feitos acerca da produção e da difusão da arte é uma tarefa muito comum ao dia-a-dia dos artistas, principalmente dos que ainda iniciam uma pesquisa, como é o caso da maior parte dos profissionais (entre artistas, produtores e gestores) que coordenam o SPA. Talvez até mesmo pelo fato de ser, cada vez mais, um evento organizado e vivenciado por jovens artistas, é que a Semana de Artes Visuais do Recife tem tido silhuetas tão englobantes.

Além de ter seu formato discutido ano a ano por aqueles que dele participam ativamente – numa reunião prévia à organização do evento onde se pensa, coletivamente, o formato da edição seguinte (mantendo o que parece ter dado certo e transformando equívocos em mudanças e, inclusive, incorporando novidades) –, o SPA é bastante convidativo à agregação de novas experiências, funcionando como um grande e saudável laboratório para a cadeia produtiva das artes visuais, propiciando o amadurecimento do evento e, em especial, a maturação da trajetória daqueles que dele participam.

Rodrigo Braga

Artista plástico e Coordenador da Semana de Artes Visuais do Recife

LEGENDA DA FOTO: Experimentos Gramíneos 1 de Maicyra Leão (DF), SPA 2006. 

Arte contemporânea no Brasil de hoje.

Maria Beatriz de Medeiros[1]

Nesse paper serão apresentadas possibilidades de relação da arte contemporânea com as diferentes instituições de fomento à pesquisa, secretarias de cultura, Ministério da Cultura, assim como a visibilidade de ações independentes.

A produção do Grupo de Pesquisa Corpos Informáticos será apresentada em suas diferentes vertentes: exposições em galerias, espaços institucionais, intervenções urbanas e trabalho na rede mundial de computadores. Verificam-se nesse percurso certas facilidades, dadas pelo fato dessa pesquisa realizar-se no âmbito acadêmico e ser liderada por Professor Doutor, e certas dificuldades por ser um trabalho de performance, de intervenção urbana, um trabalho artístico que se quer junto ao publico, que deseja a participação do publico, principalmente do grande publico. A atuação desse Grupo com Performances em telepresença também sera discutida: que visibilidade para um trabalho virtual?

Outros trabalhos artísticos serão apresentados. Por exemplo, a iniciativa de Maria Lucia Cattani (RS) denominada “APIC!” (Artistas Patrocinando Instituições Culturais!), marca disponibilizada pela Internet e utilizada por diferentes artistas no Brasil; o Canal Contemporâneo idealizado por Patrícia Canetti, entre outros.

Palavras-chave: Corpos Informáticos, ANPAP, Universidade, Fomento, virtualidade.

***

O Grupo de Pesquisa Corpos Informáticos, por mim coordenado, formou-se na Universidade de Brasília em 1992, com alunos de Artes Cênicas, Artes Visuais e técnicos. Sendo Doutora, rapidamente me foi possível conseguir algumas bolsas, primeiramente bolsas de extensão junto ao Decanato de Extensão da Unb e posteriormente, junto ao CNPq, bolsas de Iniciação Cientifica, Apoio Técnico e bolsas de aperfeiçoamento. Esse apoio permitiu, e permite até hoje, a coesão do grupo, a continuidade do trabalho. Constituindo-se grupo de pesquisa reconhecido pelo CNPq e pela Unb conseguimos também apoio no sentido de adquirirmos certos equipamentos. Inicialmente ilha de edição de vídeo, câmeras, posteriormente computadores. Esse apoio é indispensável ao desenvolvimento da pesquisa em Arte, e em todas as áreas de conhecimento, no Brasil. Esse apoio para a área de Arte é recente e cabe lembrar a importância da ANPAP (Associação Nacional de Pesquisadores em Artes Plásticas) para o reconhecimento dessa área de conhecimento junto aos órgãos de fomento à pesquisa no Brasil (CNPq, CAPES, Fundações de apoio à pesquisa,…). A ANPAP foi fundada em 1987, e o reconhecimento da área de Artes como área de pesquisa, por esses órgãos, foi posterior.

O fato do GPCI ser liderado por um Doutor pode abrir essas portas para esse grupo. Em 1992, quando começamos, poucos eram os Doutores em Arte no Brasil. Hoje, pululam Doutorados em Arte e um grande número de Doutores se forma. O numero de bolsas e de apoios para a área de artes não vem acompanhando esse ritmo o que gera uma defasagem na relação numero de bolsas de produtividade em pesquisa/doutores em Arte no Brasil. Algum esforço vem sendo feito no sentido de aumentar o numero de bolsas e apoios, mas esse é insuficiente gerando inclusive mal-estar entre os Doutores.

A situação é paradoxal: o apoio do CNPq, através da concessão de bolsas IC, multiplica o número de pesquisadores interessados em cursar Doutorado, por outro lado, uma vez formados esses Doutores, não há bolsas de PQ para todos e não se abrem vagas nas Universidades para a absorção desses Doutores.

Mas há que se reconhecer a importância do apoio. O GPCI formou vinte e quatro bolsistas IC, dentre eles, hoje, um Doutor pela UFBA (Cleomar Rocha, ex-presidente da ANPAP), uma Mestre pela UNICAMP (Rita Gusmão, hoje, Diretora do Centro de Cultura da UFMG), uma doutoranda pela UFBA (Alice Stefânia, professora substituta na UnB), uma especialista em Multimeios (Carla Rocha, membro do GPCI), diversas mestrandas, etc.

*   *   *

O GPCI, com a aquisição de equipamentos e outros financiamentos, pode participar de diversos congressos no exterior e inúmeras exposições em locais institucionais. No entanto, realizando performances, instalações e intervenções urbanas, o Corpos Informáticos se interessa em um trabalho junto ao publico, que deseja a participação do publico, principalmente do grande publico. Essa vertente da pesquisa é muito pouco reconhecida pelas instituições. Muitos salões, por exemplo, exigem trabalhos apenas in situ. Não lhes interessa dar um prêmio para uma obra que não possam adquirir e que consequentemente venham compor seus acervos.

Em 2005/2006, o GPCI liderou diversas intervenções urbanas realizadas por artistas da cidade (Daniela Bezerra, Leopoldo Wolf, Cirilo Quartim, grupo Zapatista, Movimento Passe Livre, Punks…) e pelo próprio GPCI: A.CON.TE.CIMENTO (http://corpos.blogspot.com). Para tal inicialmente não recebu nenhum apoio. Mas, ao fim do terceiro A.CON.TE.CIMENTO, a Casa Brasil-Espanha passou a ter interesse em projetar seu nome junto ao evento tendo dado, inclusive, apoio financieiro.

Algumas instituições, hoje, já financiam transporte, seguro, translado do artista, fotografias e publicações e divulgação da exposição, coisas essenciais a uma exposição e que muitas vezes os artistas bancam com seus próprios meios. Mas, esses itens financiados, fica a questão: quanto vale o trabalho do artista? Nada. Esse é o caso, por exemplo, das bienais brasileiras. Tudo é pago para a construção, montagem da obra, translado, etc. Mas, quanto recebe o artista por sua criação? Nada.

O artista concebe a obra, cria (por iluminação divina?). É necessário percurso, experimentações, analise da realidade, leitura, viagens de pesquisa… Sua criação não vale nada. Trata-se financiar instituições culturais!

Uma excelente iniciativa, que pensa e faz pensar essas questões, é o ‘APIC!’. Trata-se de um logotipo disponizado pela internet no endereço www.artewebbrasil.com.br/apic/apic.htm

A iniciativa ‘Artistas Patrocinando Instituições Culturais’, foi concebida por Maria Lucia Cattani e Nick Rands, em 2001, em Porto Alegre. O logotipo foi disponibilizado e proposto a todo artista que não recebendo apoio ‘fornece um serviço publico gratuito’ e ‘arca com os custos para apoiar uma instituição publica’. Esses artistas, no texto divulgado na pagina citada, referem-se à Inglaterra, que depois de muitas campanhas estabeleceu uma espécie de contrato padrão entre artistas e galerias, garantindo ao primeiro transporte do trabalho, seguro, fotografias, publicações pagos pela galeria e, além disso, um ‘pagamento’ no valor de aproximadamente R$ 1500,00 (em 2001).

Seria necessário os artistas não mais aceitarem participar de exposições sem receber alguma remuneração. Se todos o fizessem, as galerias seriam obrigadas a prever essa verba, assim como está previsto orçamento para tinta para repintar a galeria, verba para lâmpadas, funcionários, etc. No entanto, reconheço a necessidade de jovens artistas mostrarem seu trabalho e a necessidade de o fazerem “a qualquer custo”, digo com ônus próprio, isto com custo.

Muitas vezes espaços, por exemplo, universidades, escolas, secretarias municipais ou estaduais de cultura, realizam exposições e afirmam aos artistas que essa será uma oportunidade de mostrarem seus trabalhos, que o evento será divulgado na imprensa… Efetivamente, a imprensa divulga esses eventos com textos do tipo: “Universidade ‘tal’ promove evento artístico”, ou “Secretaria de Cultura promove…”. Isso nada mais é do que uma propaganda para a entidade, e não para os artistas.

*   *   *

Um outro aspecto que cabe aqui levantar é aquele da virtualidade. O GPCI vem trabalhando com performance em telepresença desde 1999. Uma das propostas desse grupo é fazer uso da especificidade de cada técnica utilizada, buscando o outro da positividade de cada técnica, isto é, o objetivo buscado pelas empresas produtoras dessas técnicas: objetivos muitas vezes puramente capitalistas e homogeneizados. Buscar a especificidade técnica é buscar sua linguagem específica, aquela capaz de gerar afecto e percepto. Com esse pensamento, ao começarmos a trabalhar com a telepresença, nos dissemos que seria necessário permanecer apenas on line, já essa é característica primeira dessa linguagem. E assim fizemos durante dois anos. Nossas performances em telepresença eram apenas anunciadas on line. Internautas de todo mundo podem participar de nossa proposta já que ela se utiliza de um software de download free. De fato, assim fazendo nos conectamos com diversos pesquisadores da área e conhecemos muitas pessoas mundo a fora. No entanto, o mercado de arte, a imprensa local ou nacional, os artistas, os artistas trabalhando arte e tecnologia não reconheciam o trabalho. Enfim, desaparecemos.

Foi necessário retornar às galerias, realizar performances em telepresença a partir de um ponto fixo –uma galeria, uma instituição, um salão- para reaparecer no mercado, para ter nosso nome de novo na imprensa, para que nossos pares e o público pudessem nos ver.

A Internet representa novos meios de comunicação e de difusão da arte, no entanto o meio artístico não nos parece ainda preparado para essa nova mídia.

Desse ponto de vista e no que diz respeito à virtualidade é preciso ressaltar a importância do trabalho de informação sobre arte que vem sendo realizado pelo Canal Contemporâneo (www.canalcontemporaneo.com.br), idealizado e realizado por Patrícia Canetti. Assim como o Corpos Informáticos, Patrícia Canetti afirma querer criar uma comunidade, um “sujeito coletivo”, um “coletivo vivo”. O Corpos se quer um coletivo vivo e aberto à participação do público, do grande público.

Em um recente texto, Canetti afirma “Os artistas investem seus recursos para promover a programação de instituições culturais”. Trata-se exatamente do mesmo ponto levantado por Cattani e Rands.

Depois de se constituir em uma atitude autônoma e auto-gerida, o Canal contemporâneo recebeu o apoio, já renovado, da Petrobrás, assim como o Prêmio Sérgio Mota. Essa iniciativa divulga exposições, salões, publica textos e portfólios de artistas, denuncia “prêmios”, critica iniciativas prejudiciais aos artistas, atitudes incertas do Ministério da Cultura, etc. Canetti afirma ser necessário “educar o patrocinador”.

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Muita coisa ainda está por ser feita. Muitas atitudes de instituições e galerias devem ser denunciadas. Lembramos o Brazilianart 2006 que solicitou a cada artsita a doação de uma obra de arte e em contra-partida ofereceu a participação em uma esposição em SP, a publicação do trabalho em um grande livro (cabe dizer que ficou lindo), e 5 exemplares de cada livro. Realizou a exposição, muita mal instalada, publicou o livro e enviou a cada artistas 5 exemplares do livro, mas recebeu R$ 1.000.000,00 (um milhão de reais) do Ministério da Cultura (MINC) e queria vender o restante dos livros por R$ 250,00, cada. Com a divulgação desse ‘pequeno’ escandalo, a organização resolveu ‘doar’ aos artistas os livros: cerca de 300 livros para cada artista. Calculando que cada livro pesava 3,5 quilos, cada artista recebeu mais de 1 tonelada de livros! E as obras, aonde estão? Serão doadas?

É preciso denunciar. Denunciar as atitudes do MINC, o malefício da Lei Rouanet, que dá às empresas a responsabilidade de gerir a cultura do país. A verba da lei Rouanet é dinherio público brasileiro. Que dizer do MINC financiar o Cirque du Soleil? Esse grupo tem financiamento do governo francês! Os ingressos de seus espetáculos custaram cerca de duzentos Reais! O MINC deu ao Cirque du Soleil dois milhões! Será que poderíamos dizer que a FUNARTE em seu projeto Rede de Artes Visuais vem trabalhando de forma a atender as necessidades da arte no Brasil? Basta? Que política tem o governo Lula para as Artes Visuais?  A resposta é simples: nenhuma. As Câmaras setoriais, suas decisões e colocações, serão respeitadas?

Sim, faz-se necessário educar o patrocinador, mas também o artista, o marchand, o galerista, o curador e o crítico, que desconhecem seus direitos e deveres, que não percebem o quanto o artista, o curador e o crítico de arte vêm sendo depreciados, utilizados, manipulados no Brasil.

É preciso que o Brasil comece também a ter memória: que se publiquem catálogos, livros, que se escreva a história da Arte no Brasil. Para tal é preciso investimento.

Sim, muitos passos ainda devem ser dados para uma melhor compreensão das relações da Arte, do artista, do curador e do crítico com as instituições culturais, com o Estado, com os estados e suas Secretarias de Cultura, com as universidades, as Instituições de Fomento à pesquisa e as Fundações de Apoio à pesquisa. Quero, aqui, parabenizar a iniciativa desse congresso que visa discutir questão tão complexa e talvez nos mostre fendas onde atuar politicamente para tornar essas relações mais claras, mais transparentes, enfim, mais justas para a classe artística.

Contaminações:
Embora o muro das desigualdades econômicas continue separando o capital do trabalho e a propriedade do uso, os valores impostos pela globalização permitiram, por um lado, o acesso a todo tipo de informação, trocas e interações entre povos e nações de culturas diversas, distantes uns dos outros até bem pouco tempo atrás.
A noção referente a centro e periferia vem sendo abolida, mesmo porque o capital, hoje, não tem mais pátria. Do mesmo modo, cai a fronteira entre a arte de vanguarda e a arte tradicional, étnica, popular, regional.
Há tribos indígenas usando o computador, incorporando a tecnologia eletrônica para preservar suas tradições. Somos todos parte de pequenos grupos, comunidades, aldeias, contaminados e contaminando outras visões em contextos diferentes, com nossas peculiaridades específicas.

Glocal:
O trabalho desenvolvido no seio de determinada realidade deve ser definido pelo diálogo profundo com o meio histórico, social, geográfico, econômico e político onde é gerado. Assim, a pertinência das questões levantadas poderá ser colocada em discussão e em comparação com outros modos de pensamento e expressão do mundo todo, sem gerar crises de compatibilidade, ou tendo de abrir mão da identidade própria. É a chamada “glocalização” da cultura: uma ação local agindo em relação a um contexto global, em uma grande rede de conexões.

O papel do artista:
O papel do artista, hoje, deve ser o de mergulhar em sua realidade, fazendo uma crítica capaz de penetrar profundamente as questões emergenciais. Quer dizer, refletindo sobre as condições que estão em cena e sintetizando de maneira clara e simples sua maneira de pensar, de acordo com um ponto de vista que seja, ao mesmo tempo, ético e estético, poético e político.
O mercado tende a mitificar a figura do artista e nessa ilusão, torná-lo apenas uma peça do sistema artístico, como se ele fizesse parte de um elo em circuito delimitado, onde os outros pensam, lucram e ele, como um iluminado, produz. É preciso estar atento e questionar o tempo inteiro quem são os agentes de arte e quais são os interesses que estão em movimento, para que o produto artístico não se aliene das causas que moveram o seu fazer.

Uma abordagem crítica:
Ao contrário do comodismo e da vaidade que infectam as exigências de quem se acha feliz pela penetração que suas obras conseguem no mercado local, o rigor e a determinação para se construir uma obra consistente está além das expectativas de venda e sucesso que o trabalho de cada um pode proporcionar. Para que a arte e a cultura de um povo possam criar raízes e se manifestar além do próprio lugar em que é gerada, é preciso defender de todas as formas possíveis os direitos que os filhos dessa terra devam ter sobre ela. Uma arte que diz ser da terra, mas que aceita a exclusão e a manutenção da miséria como forma de estar em galerias e museus dominados por interesses de negócios, nunca, em verdade, será arte, mas um arremedo do que se pensa que arte é. Uma mera cópia de técnicas e de formas que são impostas de cima para baixo, reafirmando a subserviência a valores externos.

Conhece tua aldeia:
A arte nasce das idéias que somos capazes de colocar em prática. E essas idéias são geradas pela necessidade da resolução de equações que são vitais à sobrevivência do grupo, da comunidade, das pessoas do lugar onde vivemos.
Prêmios, coquetéis de abertura de exposição e convites sociais não servem de consolo à mente inquieta. A consciência aberta de quem está atento e percebendo o movimento do mundo deve ser o compromisso com o próprio trabalho como meta e destino. Não quer ser o que não é, pois conhece seus limites territoriais. E uma vez que seja tomado um caminho, sabe que a ação local irá refletir nas causas globais, também.
O resto é fruto da competência, da sensibilidade e da honestidade, para não se desviar da realidade. Assim como o humilde lavrador sabe da chuva e do sol no momento de plantar e colher, o verdadeiro artista sabe o desejo de sua terra. Afinal, como dizia Leonardo da Vinci: “Conhece tua aldeia e conhecerás o mundo todo”.

O avesso
Caberia, por outro lado, pensar o avesso dessa mesma questão, que é o xenofobismo como forma de se manter distante das inquietações do mundo; a apologia da ignorância como meio de se ausentar do debate crítico a respeito da pertinência do trabalho artístico e; por último, a estética da indiferença, praticada por aqueles que poderiam abrir caminhos de acesso a produções que se mostrassem mais inquieta e inquietante, mas, por medo de perder sua base de influência e, mesmo, colocar em risco suas certezas práticas, como cargos e poderes, preferem se alienar do processo de construção de uma identidade particular, regional, de fato.
Não se trata de se fechar para o “de fora”, tampouco para o “diferente”, até porque somos “o outro” em relação a nós mesmos. Essa terra já tinha dono antes de colocarem cercas nela. O que deve ser pensado é a pertinência da relação do outro com a nossa e quais as formas de se estabelecer pontos de contacto.
E aqui, de fato, começa nosso trabalho, que vai desde perguntarmo-nos quem somos, o que queremos, até, com certeza, o que temos para oferecer, fruto dessa terra generosa. Artistas, intelectuais, estudantes, professores, profissionais, todos, sem exceção, que se debruçarem sobre essas questões, certamente, ao se levantarem do chão, trarão às mãos tingidas pela cor da terra e com a raiz da planta na mão. A raiz que alimenta o corpo e a alma de um povo.

Rubens Pileggi é artista, escreve sobre arte e é graduado em Artes Plásticas.